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Bienvenidos a mi sitio para comentar, intercambiar y discutir ideas sobre las artes.

martes, 20 de octubre de 2015

Georges Pierre Seurat


Georges Pierre Seurat

Un baño en Asnieres (1884)


Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte(1884).
La inquietud, la curiosidad y más aún, la inconformidad de los artistas ha producido fenómenos, cambios, evoluciones que hoy día nos dejan perplejos. George Seurat, dibujante y pintor francés nacido en 1859, influenciado por estudios científicos sobre el color y la química se planteó una forma de obtener efectos ópticos en sus pinturas.  Mediante la experimentación y la observación de los efectos de la luz y el comportamiento del ojo humano, obtuvo resultados innovadores que dieron origen al llamado “Puntillismo. Esto es aplicar diminutos puntos de color en lugar de trazos con el pincel pero obteniendo un tercer color lo cual da a las obras un efecto atmosférico y una sutileza que hoy lo presenta como uno de los artistas más influyentes del siglo XlX. Él llamó su técnica “Cromoluminismo” pero también se le conoce como “Divisionismo”. Junto a otros artistas integró  la Société des Artistes Indépendants  luego de que éstos fueran rechazados por el Salón de Paris. 
Sus obras más emblemáticas son Un baño en Asnieres (1884)Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte(1884).

Además, Seurat fue un intenso y prolífico dibujante y aunque sólo vivió treinta y dos años, dejó una marca imborrable en la historia del arte universal. Murió de difteria en 1891.

lunes, 12 de octubre de 2015

Ángel Bello







Sin Título
Acrílico sobre tela
1 m x 80 cm
Ángel Bello

Ángel Bello

Artista plástico y psicólogo venezolano egresado de la Escuela de Artes plásticas Cristóbal Rojas de Caracas y de la Universidad Central de Venezuela respectivamente.   
Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Museo de Bellas Artes, Museo Alejandro Otero, Museo Jacobo Borges, CELARG y en galerías privadas. La obra de Bello abarca el grabado, dibujo, pintura, escultura y la fotografía.



“Mis primeros pasos en el arte los di en el velorio de mi abuelo, donde sorprendido por la cara que tenia la gente que daba el pésame, comencé a dibujarlos. Allí nació mi vocación de psicólogo”.
 Ángel Bello

viernes, 9 de octubre de 2015

Vivir del arte

Instrumento ll. Pastel sobre cartulina industrial .
 21x19

"The harder you work, the luckier you get"

Harley Brown



Mucho se habla de lo cambiante del mercado del arte latinoamericano y mundial, de las tendencias, de la especulación etc. 
Mucho se nos dice que es difícil vivir del arte. Y ciertamente es difícil vivir del arte en cualquier parte del mundo. Pero la solución no es quedarnos en el problema. Sabemos que existe y no sólo en la plástica. También es difícil vivir de la música, del teatro, del ballet, en fin. Los artistas estamos obligados a no desmayar, a no darnos por vencidos, a seguir creando. La mayoría de quienes han logrado estabilidad económica ejerciendo a tiempo completo el arte coinciden en un aspecto: Hay que trabajar y trabajar, en dibujar y pintar. Nunca renunciar. "Never give up".  

Por supuesto en el mundo actual se requiere de más y mejores obras. Además tenemos que aprender a hacer uso de las redes sociales y a tener presencia en Internet. Debemos adaptarnos a la tecnología para poder sacar partido de sus ventajas y aprender de sus desventajas que también las tiene.

En opinión de algunos galeristas con quienes he conversado es importante tener una buena producción de obras. Una cantidad mínima de quince hacen pensar a un comprador o dueño de galería intersado en un trabajo constante. 

Aunque no hay que ser temeroso de cobrar por el trabajo hay una realidad: El mercado y nuestra posición en él. Es un punto difícil de tratar pero si queremos entrar en el circuito deberemos ofrecer precios competitivos. 

La participación en eventos, ferias de arte, arte latinoamericano, en el caso de los llegados a Estados Unidos desde esta parte de América, foros, dar clases, cooperar para obras de caridad también aumenta la presencia de nuestro trabajo en diversas esferas sociales y por tanto aumenta la posibilidad de afianzarse en el mercado.

Creo que se debe estar atento a las nuevas tendencias. No para imitarlas o cambiar nuestro enfoque artístico sino para nutrirse de las propuestas de otros, para confrontarnos, para auto evaluarnos. Debemos visitar museos, galerías etc. 

La compra de materiales no es un gasto, es una inversión y como tal hay que mirarla.  Para sacarle mejor partido debemos estar atentos a las ofertas de temporada, a las promociones y también, si nuestro trabajo está en esa tónica, echar mano de los materiales reciclables.


Creo que no debemos tener miedo a las opiniones de los demás. Escucharlas y valorarlas sean favorables o no. Al final, lo más importante es el valor que nosotros mismos le damos a nuestro esfuerzo y trabajo.

No está mal participar en concursos. No sólo por el famoso "lo importante no es ganar sino competir"  sino por el hecho de tener "presencia" en ese tipo de eventos. Tener una "hoja de vida" con trayectoria y experiencia  nos revela una carrera sólida y hecha con trabajo y vivencias.

En el caso de los autodidactas, opino que siempre es bueno asistir a talleres o escuelas de arte, en la medida de nuestras posibilidades e interés. Se aprende  y se mejora  con más in-formación.

Finalmente prestar atención a los artistas consagrados, que aunque tengamos vida y experiencias diferentes, en algo sus ejemplos nos podrían servir para nuestro propósito.
Suerte
jq


jueves, 4 de junio de 2015

Óleo Vs Acrílico en el arte latinoamericano

Abundan las opiniones de críticos y artistas que afirman que el óleo, o la pintura en aceite es superior a la pintura acrílica. Sustentan esta visión en el largo tiempo  que este medio ha sido utilizado por grandes artistas. También, muchas escuelas de arte eligen  este medio y erróneamente dicen a los alumnos que es más duradera en el tiempo.
De cualquier manera hay evidencias que apoyen las anteriores teorías. Estudios científicos han concluido que ambos medios, bajo condiciones ambientales, luz controlada, humedad etc, se comportan de igual manera.
También ha sido demostrado que la pintura de aceite podría ser peor ya que muchos de los ingredientes con los cuales se fabrica son orgánicos y se deteriora con más rapídez,  al contrario de los acrílicos que son fabricados a partir de polímeros sintéticos.

"Huellas de gaviota".
By Jorge Quintero
Acrylic on canvas.
 36 x 40
Muchas pinturas del siglo XlX se han deteriorado rápidamente  y han necesitado restauraciones en menos tiempo creando un negocio alrededor de esta necesidad. El costo de las restauraciones es exhorbitante y ya nos podemos imaginar cuánto habría que pagar por trabajar en una obra maestra.

Otros tantos podían decir que el óleo tiene mejor apariencia por el brillo que genera olvidando que existe el varníz acrílico, brillante y mate, que derrumba por completo el argumento anterior.

La idea de que el óleo es superior es un remanente del pensamiento de los años 40 y cincuenta cuando emergieron los primeros acrílicos.
En éste época los acrílicos en excelentes pero en un inicio se podía romper, perder el color, incluso desprenderse del soporte. Los detractores de este medio afirmaban que esto se debía a que no contenía la misma cantidad de pigmento que contenían los óleos, pero se ha demostrado que los grandes fabricantes de pinturas utilizan la misma si no más, cantidad de pigmento en sus linea de productos.

He ido a muchas galerías cuyos propietarios proclaman con orgullo que ellos sólo exhiben trabajos al óleo. A mí me sorprende pero son ellos quienes se lo pierden. Imagínense cantidad de artistas que dejan de conocer por una simple  creencia pasada de moda.

También he conocido artistas que trabajan exclusivamente al óleo negándose obstinadamente a cambiar su visión debido a sus ideas preconcebidas. Me parece gracioso todo el tiempo que pierden esos pintores esperando a que se seque la capa donde trabajan, haciendo que muchas veces tengan varias obras comenzadas simultáneamente. Desde mi parecer, esto hace que se pierda continuidad de pensamiento frente a la obra que se enfrenta, al contrario que quienes trabajan en acrílico que pueden enfocarse en una sola pieza. 

Afortunadamente, hay una nueva generación de artistas que trabajan en ambos medios. Muchos usan el acrílico en sus capas base y el óleo en las capas superiores porque pueden hacer correcciones en la misma días después. Otros trabajan en acrílico sólo algunas obras porque el breve  tiempo de secado y la posibilidad que se tiene de poder trabajar sobre capaz recientes.

Existen otros artistas, incluyéndome, que ha cambiado del óleo al acrílico por la toxicidad de sus componentes químicos y el peligro para la salud del uso del thinner. Estos componentes no son sólo dañinos para el medio ambiente sino para el ser humano ya que provoca dolores de cabeza, problemas respiratorios y otras enfermedades incluyendo el cáncer.

En cualquier caso, la vieja idea de que el óleo es mejor que el acrílico permanecerá por un largo tiempo antes de desaparecer definitivamente.  Espero que los compradores de arte y el público en general se eduquen para no ser  convencidos por aquellos galeristas y artistas empeñados en seguir viviendo en el pasado. Que sus preferencias por uno u otro medio sea el producto de sus gustos particulares y no por ideas engañosas.

Este debate es tan viejo y tan reciente como el uso de los acrílicos mismos y obtendrá diferentes opiniones dependiendo de a quién le pregunte, especialmente a  artistas. Quienes usen el óleo lo defenderán y quienes usen acrílicos harán lo mismo. A mi me gustan ambos pero escogí el acrílico por razones de salud por mi estilo de trabajo. Cada cual tiene sus méritos y al final prevalecerá el gusto personal al escoger uno u otro.

La anterior premisa no debería ser aplicada a los compradores de arte. Espero que aquellos coleccionistas o compradores de arte compren por lo que ven ya que al final, es el resultado creativo y que fue usado para realizarlo. 

domingo, 24 de mayo de 2015

Nela Ochoa. Artista plástico venezolana

Nela Ochoa 
Caracas, Venezuela. 


Realizó estudios de diseño, pintura y danza en Caracas y París. Ha ganado numerosos premios y es una de las artistas venezolanas dedicada a la exploración de nuevos lenguajes plásticos.  Sus obras han sido exhibidas en Estados Unidos, Colombia, Francia, Suiza y China, entre otros. 
Pensum, 2015
Tomografías y resina sobre vidrio
70 x 25 cm

Incuvoide, 2015
Huevo de vidrio, cristales gelatina, hule y resina
20 x 25 x 15

Karina Matheus
El pasado 18 de mayo en el New Professional Technical Institute, de la ciudad de Miami, se llevó a cabo la charla "Ser artista es un arte. La importancia de estar enfocado", a cargo de Karina Matheus.
La importancia de fijarse metas, organizar el tiempo, trazar estrategias y establecer propósitos fueron algunos de los puntos tratados, los cuales se enmarcan en métodos y técnicas aplicadas en la programación neuroligüística (NPL). 
Karina Matheus es presidenta de la fundación BeArt, cuyo objetivo principal es impulsar y desarrollar programas y eventos cuyo propósitos sean la difusión de las artes plásticas en los Estados Unidos, principalmente en el estado de la Florida. 


sábado, 23 de mayo de 2015



Manuel Felguérez

Una vida dedicada a la aventura de crear, nació en Zacatecas en 1928. Lo encontramos pintando porque "esperar lo pone nervioso".

Trabajó en decenas de empleos para vivir y llegó a pintar murales gratis. Se dedica por completo a su obra porque su amada Meche le resuelve los trámites de montar una exposición, tratar con los insoportables críticos y hacer relaciones públicas.